도시 이미지가 점, 선, 면으로 추상화되면서 새로운 주관적 상상, 심지어 왜곡까지 등장하게 된다. 도시는 작가의 개인적 상태와 감정, 생각을 자양분으로 삼는 동시에 그의 예술적 재현의 대상이기도 하다.

내 계획은 추상화에 대한 열정을 유지하고 창작 과정 자체를 음미하면서 자기 이해를 계속 다듬는 것입니다. 그림을 그리는 행위는 그 자체로 목적이 아니며 외부의 기대에 의해 추진되는 것도 아니다. 내 작업은 그림에 대한 순수하고 비합리적인 사랑에서 비롯됩니다.

나의 유일한 열망은 의미 있는 작품을 만드는 것입니다. 비록 그 의미가 순전히 개인적인 것일지라도 말입니다.

나의 철학은 도시 생활의 관찰에 뿌리를 두고 있습니다. 2017년부터 나는 도시 풍경과 인간 상호 작용에 내재된 시각적 영향과 색상 커뮤니케이션을 탐구해 왔습니다. 나는 추상 회화에 대한 단순화된 접근 방식을 사용하여 색상 블록과 선의 상호 작용, 즉 충돌과 병치를 통해 독특한 장면을 생성합니다. 예를 들어, 나의 샌프란시스코 작품은 이 도시의 깊은 영향력을 반영합니다. 그 거리를 돌아다니는 동안 나는 그래피티와 밑에 있는 벽 사이의 대조인 겹겹이 쌓인 그래피티에 매료되었습니다. 나는 종종 대조되는 벽 페인트를 선택하여 두 가지 다른 회색 음영을 만들어 미학적으로 만족스럽습니다.

창작하는 동안 무의식적으로 축적된 이러한 컬러 블록은 자연스럽게 내 그림에 들어가 필수적인 요소가 되고 도시 생활에 대한 나의 이해와 감정을 반영하는 독특한 시각적 경험에 기여합니다. 나는 내 주변 환경에 예리하게 적응합니다. 이러한 관찰은 내 예술 철학의 원천이자 기반이 됩니다.

나는 세 가지 관점에서 이 시각적 구조를 이해하는 데 접근합니다.

윤곽: 내 작품은 Piet Mondrian과 Richard Diebenkorn, 특히 Mondrian의 초기 작품에서 큰 영향을 받았습니다. 오션 5. 자연스러운 리듬을 포착하기 위해 직선을 사용하는 그의 파도 단순화는 중요한 영감입니다. 마찬가지로 Diebenkorn의 뛰어난 풍경 단순화와 색상과 선의 역동적인 사용은 내 접근 방식에 큰 영향을 미쳤습니다. 나는 단순화에 대한 그들의 헌신을 공유하면서 뚜렷하게 개인적인 선형 스타일을 육성하는 것을 목표로 합니다.

2022년 작품에서는 큰 아치가 반복되는 모티브로 등장하여 곡선 시리즈의 시작을 알리고 상당한 상징적 무게를 지닙니다. 나는 이 상징을 세 가지 방식으로 해석합니다. 첫째, 원초적인 관점에서 보호와 안전을 제공하는 자연의 은신처를 나타냅니다. 둘째, 개인적 차원에서 아치는 양분되어 부모님, 즉 왼쪽은 아버지, 오른쪽은 어머니를 상징하며, 그들의 변함없는 지지와 격려를 구현하는 보호 공간을 형성합니다.

셋째, 순전히 시각적인 관점에서 보면 곡선은 음악과 유사하여 음악적 탄력성을 효과적으로 전달하는 것으로 인식됩니다. 내 창작 과정에는 거의 항상 나에게 깊은 공감을 불러일으키는 장르인 힙합 음악이 수반됩니다. 결과적으로 내가 자주 사용하는 곡선은 마치 힙합 아티스트들과의 조용한 대화처럼 느껴져 작품에 생동감과 역동성을 불어넣는 시너지 효과를 만들어낸다.

레이어 관련: 2020년부터 2022년 초까지의 창작 기간 동안 레이어 개념은 내 작업의 중심이 되었습니다. 구성을 구성하는 과정은 기초부터 높이까지 층층이 도시를 건설하는 것과 유사합니다. 도시의 진화에는 성공과 실패가 공존하며, 그 실패의 흔적이 완전히 사라지는 것은 아닙니다. 그들은 항상 흔적을 남깁니다. 나는 작업을 새로운 레이어로 덮을 때 밑에 깔린 레이어를 완전히 가리지 않고 항상 어떤 흔적을 남기고 있는데, 그것을 나는 그 흔적이 형성하는 역사의식이라고 부른다.

각 오버레이마다 의도적으로 약간의 간격을 둡니다. 공기의 흐름을 잃게 되는 폐쇄된 벽을 닮기보다는 작품이 ‘숨’을 쉴 수 있기를 바란다. 나는 같은 평면에 4~5개의 레이어를 제시하여 관객이 그 안에 담긴 깊이와 풍부함을 느낄 수 있도록 노력합니다. 이러한 레이어링 감각은 역동적인 도시의 풍경을 묘사한 듯 작품에 긴장감이나 힘을 불어넣어 보는 이로 하여금 예상치 못한 놀라움의 지점을 발견하게 한다.

레이어링의 단편화에 관하여: 도시를 탐색할 때마다 눈에 띄는 형태가 종종 떠오릅니다. 예를 들어 주황색 교통 원뿔, 노란색 DHL 배송 트럭, 노란색 점으로 표시된 촉각 포장, 주차장의 흰색 주차 라인, 길가를 따라 눈에 띄게 배치된 도로 표지판 등이 있습니다. 이러한 형태는 내가 창조하는 동안 자연스럽게 내 의식 속으로 뛰어든다.

때로는 무의식적으로 저장된 요소들을 캔버스 위의 형태로 변형하기도 합니다. 이 변화 과정에서 그들은 완벽한 참조를 갖지는 않지만 그 순간의 감정에 대한 플래시백과 유사합니다. 나는 단순히 형태를 묘사하는 것이 아니라 삶의 세부사항을 정제하고 변형함으로써 이러한 과거의 파편들을 포착하려고 한다.

이 세 가지 점은 나의 추상 창작물의 논리적 지지 또는 개념적 결과물을 구성합니다. 기본 선, 레이어, 컬러 블록으로 세분화합니다. 나는 창작 과정에서 선의 굵기와 질감, 색의 따뜻함과 차가움, 그리고 이러한 요소들의 겹침과 엮임 등을 세심하게 고려합니다. 이러한 구성요소들의 결합과 변형을 통해 독특한 시각적 언어와 감성 표현을 선보이는 다양한 추상 작품을 만들어냅니다.

나에게 도시는 각 조각이 독립적이지만 일관성이 부족한 다채로운 퍼즐과 비슷합니다. 음악과 결합되면 리드미컬한 흐름으로 변합니다. 음악의 리듬은 이러한 컬러 블록을 연결하는 다리 역할을 합니다. 나는 최소한의 기술을 사용하여 컬러 블록과 선을 병합하여 일관성과 구조적 무결성으로 가득 찬 이미지를 만들고 도시와 음악 사이의 연결을 보여주기 위해 노력합니다. 적어도 내 생각에는 둘이 서로 연관되어 있습니다.

작품을 만들 때마다 그 과정 자체가 가장 즐거운 부분이라고 생각해요. 가끔은 내가 존경하는 대사를 성공적으로 그렸을 때 황홀함을 느낄 때도 있다. 때로는 기존의 구성을 어떻게 깨뜨릴지 확신이 서지 않아 시작도 하지 못하고 2시간 넘게 애쓰는 경우도 있습니다. 관객들이 내 작품을 보면서 시간, 공간, 소리의 상호작용이 만들어내는 오버레이나 리듬을 느끼길 바란다. 그러나 나는 관객이 작가의 의도대로 작품을 정확하게 이해해야 한다고 주장할 필요는 없다고 생각한다. 각 개인의 시각적 경험은 다르며 해석도 다양합니다. 모든 작품은 의도적으로 해석될 수도 있고 해석되지 않을 수도 있습니다. 그래서 내 작품의 대부분은 텍스트적 설명에 의존하기보다 회화 언어의 자연스러운 통합을 목표로 ‘무제’라는 라벨을 붙인다.

저는 어릴 때부터 그림을 좋아했고, 중학교 때부터 체계적으로 스케치와 채색을 공부하면서 미술의 기초를 탄탄하게 다졌습니다. 2014년부터 미국, 이탈리아 등으로 유학을 떠나 컬러 블록과 선이 결합된 추상유화 예술 창작에 열정을 쏟았습니다. 저는 샌프란시스코 아트 인스티튜트(San Francisco Art Institute)에서 미술 학사 학위를 받았습니다.

2022년 CalArts에서 대학원 공부를 하면서 저는 중국 전통 회화와 서양 유화의 융합을 연구 주제로 탐구하기 시작했습니다. 중국화의 선의 질감과 강렬함은 나의 선작업에 대한 이해와 흡수에 큰 영향을 미쳤고, 서양색 블록의 다양한 질감과 층위는 의심할 여지 없이 추상 표현 기법의 기본 팔레트 역할을 합니다. 두 형태는 마법의 지팡이처럼 상호 작용하고 함께 혼합됩니다. 그것들은 내 예술의 도구이자 내가 점, 선, 면으로 인식하는 도시 이미지를 추상화하는 원동력입니다.

최근에는 뉴욕에서 첫 개인전을 준비하고 있어요. 전시회는 화가의 중요한 작품을 모아서 정기적으로 요약하고 성찰하는 역할을 합니다. 내 추상화의 기본 요소는 도시에 대한 관찰에서 비롯됩니다. 이제 나는 뉴욕에 살고 있기 때문에 내가 묘사하는 주제는 주관적으로 변형된 도시의 모습이다. 앞으로도 도시를 오가며 다른 도시의 풍경을 표현하게 될지도 모른다. 도시는 문명을 구현하는 장소이기 때문이다. 나는 기이함, 다문화 통합, 심지어 도시 환경의 복잡한 세부 사항까지 높이 평가합니다.